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Roland Greil – Sin Límites

Publicado en junio 1, 2021
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No hay límites en el centro candente del proceso creativo donde diferentes visiones se lanzan unas hacia otras a velocidades vertiginosas, entregando gran parte de sus identidades individuales en el camino, para dar lugar a algo nuevo y verdaderamente único.

Durante los últimos 25 años, este diseñador con sede en Múnich ha logrado navegar a través de este espacio ilimitado, dominando el arte de la colaboración y cultivando una profunda apreciación de cómo cada pieza de un diseño contribuye a una creación final mucho más grande que ella misma.

Después de haber trabajado en giras de los Rolling Stones, Ramstein, Phil Collins, Adele y otros artistas importantes, Greil se esfuerza por imaginar lo que ven los fanáticos que asisten a estos espectáculos. ¿Es una pared de video masiva? ¿Automatización elegante? ¿Luces brillantes? En realidad no es ninguno de ellos, sino todos, unificados en un solo panorama que conmueve el corazón y crea la experiencia más memorable.

Al reconocer esto, Greil adopta un enfoque holístico del diseño, buscando colaborar al comienzo del proceso para que cada elemento fluya sin problemas hacia la producción final. Incluso dentro del ámbito de su propio trabajo como diseñador, erradica los límites, fusionando la iluminación con patrones geométricos para crear estructuras de luz aparentemente sin masa que agregan profundidad a un escenario.

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No es de extrañar que también se trasciendan las fronteras geográficas. Un orgulloso residente de la capital bávara, donde tiene un estudio, Greil y su socio, el escenógrafo Florian Wieder, también es dueño de The Black Project en Los Ángeles, que cofundaron en 2020. Hablando con nosotros desde Alemania, donde se mantuvo activo durante la pandemia haciendo trabajos televisivos y corporativos, el galardonado LD compartió sus conocimientos sobre la naturaleza ilimitada del diseño.

Nos impresionó cómo configuraste la luz en diferentes formas para crear un efecto 3D para la cámara en el programa de televisión austriaco Starmania 2021. ¿Puedes contarnos un poco sobre el papel que juegan los patrones geométricos en tu enfoque del diseño?

“Organizar formas en diferentes patrones es un elemento de diseño muy esencial para mí. Puedo jugar con ellos para hacer que las cosas parezcan más grandes o más íntimas y, por supuesto, para crear profundidad en la visión. No deseo que un diseño se vea como una hoja de papel plana unidimensional, por lo que le doy profundidad trabajando con diferentes configuraciones geométricas para crear una apariencia tridimensional.

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“Para Starmania, trabajé muy de cerca con Florian Wieder, mi amigo y socio en nuestra nueva compañía The Black Project, quien diseñó el decorado con todas las maravillosas formas. Colaboramos desde el inicio del proceso de diseño, integrando luz y formas desde el inicio del proyecto. El espectáculo se filmó en un estudio y queríamos usar nuestros patrones de luz para acentuar las características arquitectónicas del espacio y hacer que pareciera más grande para crear un ambiente de concierto.

“Ese programa en particular proporcionó un gran ejemplo de por qué es tan importante compartir ideas en una etapa temprana de un proyecto. Cuando puedes trabajar juntos sin egos involucrados, juegas a este ping-pong de diseño creativo que te permite desarrollar algo hermoso donde todos los diferentes elementos del diseño trabajan en conjunto «.

¿Puedes dar más detalles sobre este último punto?“Claro, es fundamental que todas las diferentes piezas de un diseño encajen perfectamente entre sí y se muevan hacia el mismo objetivo final. Todos hemos estado en programas en los que vemos videos hermosos, luces increíbles, un gran escenario y una automatización maravillosa, y todos luchan entre sí. Esto no es gratificante para la audiencia.

“La gente no mira el video, la iluminación, un plató o la automatización. ¡Absorben una sola imagen visual! Esta imagen es la suma de todo lo que ocurre en el escenario. No reconoce los límites entre los diferentes elementos, todos están fusionados en uno. Cuando esos elementos funcionan juntos, la imagen es hermosa a la vista «.

Otro de tus proyectos recientes que hizo un uso impresionante de formas y patrones fue la transmisión en vivo corporativa de Celosphere que realizó en abril de este año. Eso fue relativamente minimalista, pero lograste una gran sensación de profundidad. ¿Cómo hiciste eso?“Eso fue similar a lo que hicimos en Starmania. Creamos una arquitectura simple y bien definida para darle profundidad 3D a la pantalla. Aparte de la iluminación clave, usamos la luz solo para crear una arquitectura cubista. La luz se convirtió en las formas que combinamos de diferentes formas «.

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Usaste un esquema de color monocromático en Celosphere. ¿Porqué es eso?
“Soy un gran admirador de limitar el uso de colores, incluso en mis shows de rock. Casi nunca utilizo más de dos colores en una canción. Además, puedes jugar con el blanco para expandir el impacto de los colores que usas en cualquier momento «.

¿Puedes explicarnos la interacción entre el blanco y los colores?
“El color es uno de los elementos creativos más esenciales en iluminación; estimula muchos sentimientos diferentes. El blanco, por supuesto, es un color y es un color con muchos degradados que resaltan diferentes facetas de otros colores dependiendo de cómo se use. Mezcla rojo con blanco frío y luego mézclalo con blanco cálido y habrás creado dos estados de ánimo emocionales muy diferentes. Lo que la oscuridad hace por la luz, el blanco lo hace por otros colores: los hace destacar más audazmente.

“Siempre busco salir de mi zona de confort y experimentar con diferentes colores. No hay reglas con el color, solo pautas, por lo que experimentar es bueno. Por supuesto, también se reduce a los colores con los que el artista o su cliente se sientan cómodos. Somos diseñadores, sí, pero también somos proveedores de servicios y tenemos que reflejar la visión del cliente. Entonces, si no les gusta un color o una apariencia, lo descartan. No se trata de nosotros «.

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Muchos diseñadores dicen que no les gusta trabajar con verde. ¿Cuál es tu opinión?
“¡Qué curioso lo que preguntas! Odié el verde durante mucho tiempo, así que supongo que era uno de ellos. Entonces aprendí a amar el verde. No es mi primera opción en todos los programas, pero definitivamente tiene su lugar «.

Volviendo al tema de las formas, la gira de estadios de Rammstein 2019 en Europa que  co-diseñaste con Patrick Woodroffe creó algunos patrones impresionantes. ¿Cuál fue el proceso creativo detrás de ese programa?
“Patrick y yo colaboramos en la iluminación y trabajamos de cerca con Florian Wieder, quien era el diseñador de producción. Este fue otro ejemplo de una colaboración exitosa. Desde el principio, nuestro diseño de escenografía y el diseño de iluminación trabajaron de la mano, de modo que las posiciones de las luces se integraron a la perfección en el escenario.

“Nuestra visión para el espectáculo de Ramstein era evitar el típico estilo de gira de truss en el escenario. No es que haya nada malo en eso, pero queríamos crear algo diferente. No queríamos ver ningún entramado de iluminación en el escenario. El objetivo era crear una pieza arquitectónica, con los equipos de iluminación ocultos tanto como fuera posible o integrados en la producción ”.

¡Como parte de esa visión, tenías cuatro círculos de metal gigantes, cada uno de ocho metros de diámetro, llenos de decenas de equipos individuales! ¿Cómo surgió la idea?
“No inventamos directamente este elemento de diseño. Le Roy Bennet había hecho un gran trabajo diseñando los shows de la banda durante años antes de eso e incorporó elementos redondos en los looks. Las configuraciones circulares se convirtieron en parte de la marca registrada de la banda. Nuestro pensamiento era remodelar esa marca registrada y ponerla en un marco arquitectónico, así que hicimos esos círculos gigantes.

“En un mundo perfecto, habríamos tenido una luz gigante en cada círculo, pero no existía ninguna, así que pusimos tantas luces como pudiéramos caber en los círculos. Al final, cada círculo actuó como un singular elemento gigante, que tuvo un gran impacto. Encajaba con la visión de la banda y fueron lo suficientemente valientes como para dejarnos probarlo «.

Una vez describiste ese espectáculo de Rammstein como una “ópera. ¿Qué querías decir?
“Absolutamente, fue como una ópera en el sentido de que fue una gran extravagancia con un aspecto muy atrevido combinado con la música atrevida de Rammstein. La banda es conocida en todo el mundo por la intensidad de sus shows. Con muchas pirotecnia y elementos de producción de esa naturaleza, el público espera una experiencia intensa en un espectáculo de Rammstein. Su música está destinada a trabajar con el diseño del escenario. Todo se construye en conjunto como una experiencia unificada «.

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Por supuesto, has trabajado con Patrick Woodroffe durante muchos años en otros proyectos además de con Rammstein. ¿Qué has aprendido de él?
“Bastante sobre la iluminación y el diseño de una producción, pero más allá de eso, he aprendido mucho sobre el lado humano de nuestro negocio. Cuando eres el responsable de diseñar un espectáculo muy grande tienes que saber gestionar la dinámica interpersonal. Patrick es un maestro en esto. Es un gran individuo con grandes habilidades con las personas. Aunque me he aventurado más por mi cuenta, sigo colaborando con él en varios proyectos. De hecho, ahora mismo estamos trabajando en la nueva gira de Genesis «.

Uno de los muchos proyectos memorables en los que trabajó con Patrick fue la gira Rolling Stones No Filters cuando tú eras responsable del lado del video. Las cuatro torres de video que tenías allí le dieron al escenario un aspecto único. ¿Puedes contarnos sobre eso?
“Claro, Ray Winkler, el escenógrafo, creó esas paredes y Patrick fue el cerebro detrás del concepto. Una vez más, el proceso creativo se caracterizó por una estrecha colaboración. El concepto de conducción era crear un aspecto arquitectónico muy contemporáneo que le diera a The Stones un aspecto del siglo XXI.

“Las cuatro columnas de video fueron clave para crear ese aspecto arquitectónico. También colocamos segmentos de pared LED a los lados para acentuar esa característica. Se sentían como un elemento arquitectónico más que un mural de video, que era la idea.

“Por supuesto, teníamos toneladas de excelente contenido de video para colocar en las columnas. El truco consistía en seleccionar entre la gran cantidad de opciones para crear la imagen que queríamos «.

En ese último punto, antes hablaste de limitar los colores que usaste en cualquier canción, y ahora estás hablando de limitar el contenido de video. ¿Es justo decir que parte de tu trabajo como diseñador es controlar lo que se incluye en un diseño para no abrumarlo?
«¡Absolutamente! Este es un punto muy pertinente. Como diseñador, debe saber cuándo poner el pie en el pedal del freno. No se puede utilizar el contenido por el contenido ni la tecnología por la tecnología. Esto no siempre es fácil, porque hay mucho disponible hoy en día, excelente contenido de video, luces brillantes, hermosas luces … pero cualquier cosa debe usarse solo por una razón específica: para crear el tipo de apariencia que buscas.

“Con un gran proyecto, puede tener cuatro semanas o más para armar su programa. Luego, al final de ese tiempo, miras lo que hiciste y hay una canción, o tal vez más, con la que no estás completamente feliz. En casi todos los casos, quizás el 70 u 80 por ciento de las veces, lo que tienes que hacer para mejorar las cosas es sacar algo. Cargó demasiado al principio y olvidó que menos es más «.

¿Cuál es el mayor desafío para ti como diseñador?
«¡Vaya, eso es interesante! Yo diría que lidiar con las restricciones de tiempo creativas. Parece que nunca tienes suficiente tiempo, independientemente del tiempo que tengas para prepararte.

Cuando comienzas un proyecto, ¿cuáles son las primeras cosas que miras?
“Antes de pensar en el diseño, lo primero que hago es mi tarea. Aprendo todo lo que puedo sobre los puntos técnicos del proyecto. ¿En qué tipo de lugares tocará la banda? ¿Cuál es nuestro presupuesto? Aprendo todo sobre la música del artista o los contenidos del espectáculo. Necesito conocer los elementos básicos antes de comenzar el proceso creativo.

“Una vez que sepa esta información, observaré la presencia del artista en el escenario, ya que esto influirá en el tamaño que debe tener mi espectáculo. Algunos artistas llenan el escenario con tanta energía que no necesitas marcar tu espectáculo. Con otros ocurre lo contrario. En ese caso, deberá ayudarlos con su diseño. Una vez hecho todo esto, puedo concentrarme en pintar mi visión con un pincel más fino «.

Vives en Munich y tu negocio con Florian, The Black Project, está en Los Ángeles, ¿por qué?
“¡Los inviernos son mucho mejores en Los Ángeles que en Munich! En serio, aunque alrededor del 30 o 40 por ciento de mi trabajo está en los Estados Unidos. Florian hace muchos trabajos televisivos como los Emmy’s y America’s Got Talent, por lo que también suele estar en los EE. UU. Él y yo comenzamos The Black Project para enfocarnos en el entretenimiento en vivo. Por lo tanto, tener un negocio en California simplemente tenía sentido «.

The Black Project es un nombre interesante. Como se te ocurrió?
“Cuando comenzamos nuestra empresa, queríamos un nombre único que no tuviera diseño ni nada directamente afiliado a nuestra industria. En ese momento armamos un libro con los diferentes proyectos en los que Florian y yo habíamos estado involucrados. Ese libro tenía una cubierta negra, así que íbamos a llamar a la empresa The Black Book. Cuando se lo mostramos a nuestras esposas, dijeron que The Black Project sería más interesante «.

¿Cómo te iniciaste en el diseño de iluminación?
“Esa es una larga historia, pero intentaré que sea breve. Comienza con el pequeño Roland yendo a un programa de música country estadounidense en las afueras de Munich con su padre. Tenía unos siete u ocho años y me intrigó el tipo que operaba la placa de sonido. En ese momento, mis sueños de ser astronauta o futbolista fueron abandonados por ser ingeniero de sonido. Mientras aún estaba en la escuela secundaria, obtuve mi trabajo como técnico de sonido, pero pronto abandoné el audio por la iluminación, porque sentí que me brindaba más oportunidades creativas. Tuve la suerte de estar en el lugar correcto en el momento correcto y tuve la oportunidad de hacer crecer mi carrera en la iluminación. Aquí estoy 25 años después y amo mi trabajo. Bueno, no es realmente un trabajo, sino una pasión «.

¿Cómo te gustaría ser recordado como diseñador de iluminación?
“Sobre todo y más importante, me gustaría ser recordado como una persona amable, humilde e íntegra que hizo muchos amigos en nuestra industria. En términos de nuestro negocio, me gustaría ser recordado como alguien con una integridad creativa, que se arriesgó audazmente y creó un estilo específico propio que no copiaba la creatividad de nadie más y se divertía mucho en el proceso «.