¿Un diseñador de iluminación necesita tener experiencia musical para crear un espectáculo evocador? Este LD con sede en Muscle Shoals, Alabama, ganador de un Emmy, dice que no es absolutamente necesario, pero permite que de una forma u otra, la musicalidad y el ritmo deben encontrar una manera de atravesar el corazón y el alma de cada diseño de iluminación memorable.

Peralta, ex baterista, hace de la música su guía a la hora de abordar cada proyecto como diseñador, director o programador de iluminación. Más allá de comprender el estado de ánimo de la música o el significado de su letra, profundiza más y se esfuerza por reflejar su sincronización, ritmo y tempo. Para hacer esto, a menudo hace referencia a obras maestras como el Adagio para cuerdas de Samuel Barber con sus enormes crescendos, para ayudarlo a imaginar cómo su iluminación reflejará las múltiples dimensiones de la música que se interpreta en el escenario a medida que avanza a través de su propia narrativa en constante cambio.

Trabajando con una larga lista de estimados diseñadores de iluminación, en particular su mentor y asociado de mucho tiempo, Allen Branton, Peralta ha estado involucrado en muchos proyectos de alto perfil como programador y LD, incluidas numerosas ceremonias de incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll, iHeartRadio. Premios de la Música, los Premios Grammy Latinos y los Roasts de Celebridades de Comedy Central. También desempeñó un papel clave en el innovador “Return To The Honky Tonk Tour” de Blake Shelton, en colaboración con Steve Cohen y Bob Bonniol. Recientemente, atrajo mucha atención por diseñar el espectáculo de Café Tacvba en el Hollywood Bowl con la Filarmónica de Los Ángeles.

Cuando hablaste de tu trabajo para Café Tacvba, cliente de mucho tiempo, en el concierto del Hollywood Bowl con la Filarmónica de Los Ángeles, hablaste de mantener la sensación que los fans de la banda esperan de sus espectáculos y al mismo tiempo crear atmósferas más sutiles para la interpretación orquestal. ¿Cómo lograste este equilibrio?

“Gran parte tiene que ver con el ritmo. Por ejemplo, en un espectáculo eléctrico, los efectos de intensidad de la iluminación normalmente se producirían junto con las notas de 1/8 o 1/16 de la música. En un entorno acústico, como con la Filarmónica de Los Ángeles, alteraría el efecto para tocar las ¼ de nota de la música, o incluso las ½ notas. La “sensación” de la canción seguiría ahí, pero sería alterada para adaptarse al nuevo tempo del arreglo acústico. La paleta de colores de las canciones es bastante consistente desde el show eléctrico hasta el acústico.

“Dado que hay más artistas en el escenario para un espectáculo como este, una cosa que normalmente hago es encontrar oportunidades en la música para crear algunos momentos de alto contraste para evitar que el escenario se sienta demasiado “plano” en su presencia durante demasiado tiempo. . Luces traseras más calientes sin luces principales delanteras, luces laterales sin luces delanteras ni traseras… sin luz frontal en absoluto mientras el grupo se recorta en nuestro ciclorama son solo algunos de estos ejemplos.

Cada banda, sea quien sea, tiene una base de fans única y con su propia personalidad. ¿Siempre piensas en los fans, no sólo en las bandas, cuando iluminas un espectáculo?
“Ciertamente lo hago. Creo que es importante considerar tanto a las bandas como a sus fans para crear una experiencia memorable e inmersiva para todos los involucrados. Siempre trato de mejorar la atmósfera general y crear una conexión entre los artistas y su audiencia. Definitivamente es un equilibrio delicado de lograr, pero es algo que, con suerte, dejará una impresión duradera en todos los involucrados”.

Entonces, ¿qué tipo de cosas haces para conectarte con los fans?
“Como comentamos, crear esos momentos de alto contraste es realmente fundamental para mantener a los fanáticos interesados durante todo el programa. Muchos de mis mentores de diseño son grandes narradores de historias. Han inspirado y dado forma a mucho de lo que me gusta aportar al diseño de un escenario. Realmente tienes que ser disciplinado en tu oficio y desarrollar un “arco narrativo” que pueda llevar a los fans al viaje visual deseado que estás vendiendo”.

En la entrega de los iHeart Radio Music Awards 2023, trabajaste con el diseño de Allen Branton para crear algunos efectos de mapeo de píxeles muy inmersivos para atraer a los espectadores. Al mismo tiempo, sin embargo, notaste que algunos de los estilos tenían que ser “B-flat” para la audiencia en vivo en el Dolby Theatre de Los Ángeles. ¿Qué tipo de apariencia tienes que sacrificar para el público en vivo cuando iluminas conciertos para televisión? ¿Cómo se minimiza el daño?

 

“En última instancia, tienes que iluminar un espectáculo para varias cámaras, quizás ocho, diez o más de 16 cámaras en algunos espectáculos. Para la mayoría de las producciones televisivas, tienes que aprender a elegir los momentos en los que puedes usar un pincel pequeño, como efectos de píxeles ajustados, y cuando tienes que usar un cubo de pintura para trazos más amplios en la iluminación de tu televisor. Esto se puede atribuir principalmente a un par de factores clave, sin ningún orden en particular: por ejemplo, la cantidad de tiempo asignado para crear el arte y los desafortunados parámetros financieros que a veces se adjuntan a estas producciones. Los presupuestos suelen ser ajustados y normalmente no tendrás mucho tiempo para crear una «obra maestra». La música también siempre dictará lo que se necesita. Una balada, por ejemplo, puede tener una apariencia hermosa y maravillosa, mientras que un popurrí pop puede requerir más indicaciones para realzar la energía de la música. Estar bien organizado y tener bases sólidas en tu preparación te ayudará a navegar las aguas en estos entornos de producción de televisión de alta presión”.

Este año también programaste la aclamada gira “Back To The Honky Tonk” de Blake Shelton, que recibió mucha atención debido a su uso extensivo de IA. ¿La IA o alguna de las otras tecnologías utilizadas en esa gira afectaron tu forma de programar?
“No necesariamente, Steve Cohen y Bob Bonniol tenían una visión clara del arco argumental que querían presentar para el programa. En realidad, esto fue muy útil ya que estableció una hoja de ruta para el éxito en el lado de la iluminación. Fue claro y conciso, y permitió que la historia de la iluminación evolucionara y se convirtiera en un fuerte ancla de la historia visual”.

En esa gira, Bob Bonniol lo llamó “un maestro en combinar y ampliar la paleta con luz para generar la sensación de los momentos escénicos”. ¿Por qué crees que has tenido relaciones tan exitosas con diseñadores cuando trabajabas como programador?

“Creo que de estos proyectos y experiencias surgen relaciones increíbles. Te sumerges y te comprometes por completo con un proyecto y quieres que tenga éxito al máximo. Siempre quieres rodearte de personas que te importan. Inevitablemente, esto a veces incluso influirá en tu decisión de emprender un proyecto o no. El equipo de diseño de la gira de Blake confiaba plenamente el uno en el otro y se obtuvieron grandes resultados precisamente por eso”.

Parece que la relación entre diseñador y programador ha cambiado bastante en los últimos años. A medida que los programas se han vuelto más elaborados y complejos tecnológicamente, los programadores están asumiendo un papel más activo/prominente en su dirección. ¿Qué piensas sobre eso?
“Bueno, la mayoría, si no todos, te dirán que definitivamente se necesita un pueblo para crear estos programas. Una sola persona no puede hacerlo todo. Los diseñadores siempre querrán rodearse de las mejores y más informadas personas que puedan. En algunos casos, cuando se trabaja con un programador joven, es posible que el diseñador tenga que dar más instrucciones durante el proceso. A medida que crece la relación con el diseñador y el programador, hay más confianza y el diseñador tendrá más fe en la estética que el programador desarrolla para él. Además de todo esto, la tecnología avanza continuamente y es simplemente demasiado difícil mantenerse al día con todos los cambios por sí solo”.

¿Cómo ha afectado a tu trabajo la convergencia de la iluminación y el vídeo y la creación de entornos 3D inmersivos en el escenario?
“Creo que definitivamente nos ha ayudado a ser más creativos en nuestro oficio. También lo ha hecho más desafiante para nosotros. Las posibilidades son grandes. Esto también ha aumentado las expectativas del público sobre qué esperar de estas producciones”.

Eres baterista y eso se nota en la calidad rítmica de tu trabajo. ¿Crees que es necesario tener formación musical o capacidad para hacer un buen trabajo iluminando un concierto?
“Ciertamente ayuda, pero no es necesariamente necesario. El diseño de iluminación es una disciplina multifacética que involucra elementos tanto técnicos como artísticos. Estas habilidades se pueden cultivar y perfeccionar a través de la educación, la experiencia y la pasión por su oficio. Al final, lo más importante es la capacidad de crear una experiencia visual que mejore la música y resuene con la audiencia, tenga o no una sólida formación musical”.

¿Cómo te inspiras al inicio de un proyecto?
“Cuando trabajo para una nueva banda, me sumerjo en su mundo musical y trato de entender su estilo. También miraré sus producciones pasadas para ver qué elementos tuvieron éxito y cuáles se pueden mejorar. La comunicación con ellos y su equipo también es clave. La colaboración puede ser extremadamente satisfactoria durante este proceso”.

¿Todos tus programas están codificados por tiempo o alguna vez iluminaste de forma improvisada?
“Es una mezcla. Aunque siempre intentaré estar lo más preparado posible. Tienes que estar preparado para lo inesperado. Iluminar de forma improvisada es una forma de arte por derecho propio. No necesariamente disfruto esa parte de nuestro oficio. Tengo un gran respeto por mis colegas que viven en este mundo más de lo que yo elijo”.

Los efectos pirotécnicos ser más comunes hoy en día. ¿Algún consejo sobre cómo usarlos sin abusar de ellos?
“Como todo lo demás en el diseño de espectáculos, definitivamente hay un momento y un lugar para utilizarlos con éxito. Y no necesariamente sólo pirotecnia. Los efectos especiales en general son excelentes herramientas que se pueden utilizar en los diseños. Piro, niebla baja, confeti, láseres, humo de colores, etc., son excelentes herramientas que pueden mejorar la experiencia visual general cuando se usan correctamente”.

Estás haciendo muchos de tus propios diseños. ¿Tu experiencia como programador te ayuda en ese sentido?
“Sí, cien por ciento. Mi experiencia como programador me ha ayudado significativamente a la hora de diseñar y ejecutar mis propios proyectos. Después de ocupar la silla de programación durante muchos años, he podido rodearme de grandes diseñadores y he aprendido mucho de ellos. Los años de experiencia me han ofrecido mucha claridad. Ser capaz de ver el panorama amplio de lo que uno está tratando de lograr. La competencia técnica y las habilidades de resolución de problemas desde el punto de vista de la programación sin duda han ayudado a la transición. Más importante aún, el conjunto de habilidades para mantener la calma bajo presión ha sido una gran ventaja en la transición a la silla grande”.

Siempre nos ha impresionado la forma en que cambias los niveles de intensidad en los programas, ya sea como diseñador o programador. Parece que esto les ayuda a desarrollarse como una narrativa. ¿Algún consejo para mantener interesantes los espectáculos de luces y evitar la repetición?
“Deja que la música sea tu guía. La música siempre te hablará. Puede que no sea necesariamente un gran momento estroboscópico. Podría ser una simple transición de desvanecimiento de iluminación que dura tres minutos y crea un gran crescendo, como en la obra maestra épica de Samuel Barber, ‘Adagio for Strings’”.

¿Cómo empezaste en la iluminación?
De hecho, me gradué con un título en audio. Como baterista, percusionista… cuando me di cuenta de que no era lo suficientemente bueno y que no actuaría en el escenario, seguí una carrera en el audio. Después de graduarme, tenía que pagar préstamos estudiantiles y no podía permitirme realizar las pasantías de audio que me ofrecían. Entonces comencé a aceptar otros trabajos de producción y me sentí aliviado de encontrar un camino creativo en el mundo de la iluminación. Hice teatro a principios de los 90 en el sur de Florida y luego comencé a aprender el lado de la iluminación televisiva de mi oficio a mediados de los 90 en la cadena de televisión Univision en Miami. En 2003, fundé Peralta Productions y comencé a trabajar de forma más independiente”.

¿Qué crees que habrías hecho si no te hubieras convertido en diseñador/programador de iluminación?
“Es posible que haya seguido buscando algo en el mundo del audio. O tal vez me haya convertido en meteorólogo… ¡una de mis pasiones desde hace mucho tiempo!”

¿Qué es lo único que quieres que la gente sepa sobre ti como profesional de la iluminación?
Me apasiona profundamente mi oficio. Yo amo lo que hago. Nunca me ha parecido un trabajo. Si alguna vez fuera así, estaría buscando algo nuevo que hacer”. Y… te daría un consejo: encuentra el equilibrio en tu iluminación. Ya sea disfrutar de la vida familiar, salir a correr (una de mis pasiones desde hace mucho tiempo), esquiar, pescar, cualquier cosa que no esté relacionada con la iluminación… encuentre un equilibrio. Realmente puede ser una vida profesional satisfactoria, cuando se hace bien”.
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